Si tratta di un film epico sulla vita di Mosè, con tutti gli opportuni riferimenti al Vecchio Testamento, dalla persecuzione in Egitto e viaggio nel deserto fino al Mar Rosso e il Monte Sinai. La sceneggiatura è stata scritta da Michael Green e Stuart Hazeldine sulla base di un trattamento di Matti Leshem.

Quel che sembra chiaro a questo punto è che Mosè, nelle intenzioni degli autori, subirà un trattamento piuttosto moderno e sono già molti quelli che accostano questo film a titoli quali Salvate il soldato Ryan o Braveheart per far capire come verrà trattata l’intera vita del personaggio.

Bisogna quindi aspettarsi, come accade spesso di questi tempi, una versione «guerriera» di figure legate alla storia, al mito o alla fiaba e in fondo non ci si può stupire: per attirare una buona fetta di pubblico di questi tempi bisogna proporre azione sfrenata e combattimenti e la vita di Mosè, come vista in altri film, rischierebbe si risultare troppo statica se trattata nella vecchia maniera.

Quel che in fondo rassicura, anche a fronte do una visione non proprio ortodossa, è la presenza di Steven Spielberg in cabina di regia e, è lecito supporre, anche in sede di sceneggiatura a produzione: saprà equilibrare i dovuti ammiccamenti all’azione con un certo rispetto per la tradizione…

In mezzo a tutti i progetti che Spielberg riesce a portare avanti è facile perdere qualche titolo o dimenticare qualche nome, vi basti sapere che la pellicola, piuttosto che disperdersi a cercare di raccontare tutta la vita del più noto Presidente degli Stati Uniti, si concentrerà su un breve periodo.

La sceneggiatura infatti, tratta da Team of Rivals di Doris Kearns Goodwin , è stata scritta da Tony Kushner e riguarda gli ultimi quattro mesi di vita di Lincoln prima dell’omicidio per mano di John Wilkes Booth.

Il cast scelto per l’occasione è di livello stratosferico: Sally Field, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, John Hawkes, Hal Holbrook, James Spader, Tim Blake Nelson, David Strathairn, Jackie Earle Haley e David Oyelowo, ma tutti gli occhi sono ovviamente puntati sull’attore scelto per impersonare Lincoln.

Ed eccovelo qui, Daniel Day Lewis, uno dei professionisti più seri di Hollywood, in una fotografia “rubata” da una sua pausa in ristorante: non è vestito nel classico modo in cui ricordiamo sempre questo Presidente, ma la rassomiglianza è impressionante, sembra quasi che Lincoln sia stato catturato da una macchina del tempo e portato sul set.

Con credenziali di questo tipo il film si presenta come un potenziale blockbuster e Daniel Day Lewis si candida fin d’ora a parecchi premi: staremo a vedere, fra circa un anno, se la nostra fiducia è stata ben riposta!

Questo sembra essere il caso del film su Cleopatra, da tempo in gestazione e che Sony vorrebbe veder realizzato da mani capaci.
La pellicola, tratta dalla biografia Cleopatra: A Life di Stacy Schiff, con una sceneggiatura curata da Brian Helgeland, circola da parecchio tempo come potenziale blockbuster e se nella major sembrano tutti essere d’accordo nell’affidare il ruolo ad Angelina Jolie diventa poi più difficile trovare l’elemento giusto per quanto riguarda la cabina di regia.

In passato sono stati fatti parecchi nomi, compreso quello di un big come James Cameron ma nulla poi si è messo in moto: ora forse le cose potrebbero cambiare.
Negli ultimi giorni è stato contattato Eric Roth per rivedere lo script di Helgeland e Roth è un collaboratore di fiducia di David Fincher, collegamento che a molti ha fatto scattare l’inevitabile associazione.

Se Fincher fosse interessato e riuscisse a liberarsi di altri impegni, si tratterebbe di sicuro di una occasione irripetibile per provare a coprire un nuovo genere.
Nulla è ancora sicuro se non il fatto che questa Cleopatra sarà molto distante da quella notissima interpretata da Liz Taylor, il produttore del progetto, Scott Rudin, la definisce infatti con tre parole precise: politica, stratega e guerriera.
Incrociamo le dita: se Fincher dovesse salire a bordo, ci troveremmo di fronte a un blockbuster di grandissima portata.

Ora il testimone passa a Doug Liman che dovrà trasporre su grande schermo le gesta di George Mallory, ispirandosi a un libro di Jeffrey Archer, Paths of Glory. Malllory è stato un alpinista che ha partecipato alle prime tre spedizioni inglesi per la conquista dell’Everest e la sua vicenda è ancora adesso uno dei più grandi misteri dell’alpinismo.

Trattato come un vero e proprio eroe in patria, Mallory tentò per ben due volte di arrivare alla cima dell’Everest, nel 1921 e nel 1922 ma non ci riuscì, anche perché si rifiutava di usare l’ossigeno in bombola negli ultimi tratti.

Nel 1924 con il suo compagno di scalata Andrew Irvine arrivò a 240 metri dalla cima per poi finire tragicamente ucciso da una bufera di neve. I suoi resti vennero trovati solo nel 1999 ma non c’è nessuna certezza che Mallory sia riuscito a raggiungere la cima del mondo…

Materiale di sicuro valore per una pellicola sceneggiata da Sheldon Turner sulla quale la Sony sembra puntare molto, tanto che Doug Liman, anche lui alpinista e da tempo appassionato della figura di Mallory, ha messo in stand by altri suoi progetti per dedicarvisi.

Diventa centrale a questo punto la scelta degli attori che impersoneranno i due protagonisti, vi riferiremo i nomi non appena verranno diffuse le scelte di cast.

Si tratta di un film epico sulla vita di Mosè, con tutti gli opportuni riferimenti al Vecchio Testamento, dalla persecuzione in Egitto e viaggio nel deserto fino al Mar Rosso e il Monte Sinai. La sceneggiatura è stata scritta da Michael Green e Stuart Hazeldine sulla base di un trattamento di Matti Leshem.
Di sicuro l’entrata nel progetto di Steven Spielberg darebbe al film quell’ulteriore marcia in più in grado di farlo diventare un automatico successo in sala ed è difficile un regista più adatto di Spielberg per una narrazione di questo tipo.

Ci sono ovviamente molti ostacoli e la trattativa è solo al suo inizio, Spielberg è un film maker impegnatissimo su tanti fronti e nel caso accettasse vorrebbe una fetta di produzione per la sua DreamWorks, ma la portata del progetto e il prestigio di poter inserire in carriera un film su un personaggio di tale importanza sono indubbiamente elementi in grado di attirare il regista.

Nel caso Gods and Kings riceva l’ok, sarà poi interessante scoprire le scelte di cast, in particolare per quanto riguarda l’attore per la parte principale…

Mario Martone, dal canto suo, ci ha regalato una lettura esemplare delle radici del Risorgimento con il suo pregevole film Noi Credevamo, capace di penetrare nelle pieghe del nostro passato, mostrandoci chi, come e quando ha saputo tingere di passione e di sangue l’Ideale.

Sergio Colabona, affermato regista televisivo, si è appassionato, a sua volta, all’operato dell’attore Ulderico Pesce, che aveva già portato in teatro con grande tenacia e ostinazione la vicenda, quasi del tutto ignorata, di Giovanni Passannante, traendone un film in questi giorni in circolazione sugli schermi, benché distribuito in poche copie.

Il 17 novembre 1878, il giovane lucano Passannante, armato di un temperino e di un drappo rosso inneggiante alla Repubblica Universale, assalì la carrozza di Umberto I  nel tentativo disperato di richiamare l’attenzione su quelle che per lui erano richieste fondamentali: il diritto alla pensione per gli anziani e l’assegnazione di un assegno di maternità alle donne. Venne arrestato, torturato dai carabinieri, infine, solo per opportunità e per calcolo, venne, per così dire, graziato e condannato all’ergastolo. Fu rinchiuso per 14 anni in una specie di cella situata sotto il livello del mare, di fatto seppellito vivo, nel carcere di Portoferraio. Le condizioni più che disumane di quell’isolamento lo portarono alla cecità, al deperimento totale, fino ad arrivare a nutrirsi delle sue stesse feci. Successivamente venne trasferito nel manicomio criminale di Montelupo Fiorentino dove morì nel 1910. Il cadavere fu poi decapitato e, in nome della scienza, il teschio e il cervello furono esposti nel Museo di Criminologia di Roma, fino a diventare, secondo le affermazioni della direttrice Borzacchiello, ‘il pezzo forte’ per i visitatori, secondo ciò che la logica delle aberranti teorie del Lombroso avevano trasformato in un esempio di tipico ‘criminale comune’.

Ma per i Savoia, la condanna del Passannante non fu vendetta sufficiente. La madre, la sorella e il fratello vennero rinchiusi per sempre in un manicomio criminale. Il paese di origine del Passannante, Salvia, in provincia di Potenza, venne costretto a cambiare nome in Savoia Lucania, nome che conserva tuttora. Un ulteriore sfregio alla libertà del popolo da parte di quella casa regnante.

All’uscita del film su Passannante i nostalgici sostenitori dei Savoia, hanno fatto sentire la loro voce sollevando proteste per la dichiarata apologia di colui che, secondo loro, è stato di fatto un regicida, reo di avere attentato alla vita dell’Umberto I, anche se solo con un coltellino di pochi centimetri. Le colpe di Passannante furono ben altre! Aveva osato apprendere a leggere e scrivere da solo. Aveva imparato a ragionare con la sua testa, appassionandosi al pensiero mazziniano, all’idea della libertà universale.

Il film di Colabona è certamente apologetico, e in questo sta il suo maggior merito. Passannante è una sorta di docufilm, che alterna ricostruzioni storiche a filmati originali, portando alla luce anche la lunga e tenace battaglia condotta dall’attore Ulderico Pesce insieme con il giornalista Alessandro de Feo, e Stefano Satta, voce solista del gruppo dei Tetes de Bois, autori della pregevole colonna sonora. I tre hanno fatto di tutto affinché venisse resa pietà ai resti del Passannante dando loro sepoltura nel cimitero del suo paese natale. Hanno bussato e bussato ancora alle porte dei ministri di grazia e giustizia che si sono succeduti nelle varie legislature, nel disinteresse pressoché totale di chi sulla poltrona di governo, in genere, si siede solo per il proprio tornaconto. Tutto è proseguito fino al 2007 quando i tre hanno finalmente vinto la loro battaglia, ottenendo le autorizzazioni di legge alla traslazione dei resti di Giovanni Passannante. Grande è stata la soddisfazione di coloro che hanno risposto alle sollecitazioni dell’attore Ulderico Pesce, che con il suo accorato spettacolo teatrale sulla vicenda, “L’Innaffiatore del cervello di Passannante”, ha raccolto attorno a sé il consenso di molti altri artisti e gente di spettacolo e non solo, tra i quali anche Carmen Consoli, Gino Paoli, Franca Rame, Gianni Mura, Paola Turci, Antonello Venditti, Giorgio Tirabassi, Francesco Guccini, Marco Travaglio, Rocco Papaleo, Fulco Pratesi, Sergio Staino, Erri De Luca, Dario Fo, oltre a qualche onorevole illuminato dalle parole di Pesce.

Ultimo doveroso atto sarebbe  quello di restituire al paese di Passannante, il proprio nome Salvia, cancellando lo sfregio dei Savoia, per sempre.

Dario Arpaio

War Horse, ambientato in Inghilterra e nell’Europa di inizio secolo, segue il profondo legame che si crea fra un cavallo, Joey, e il suo allevatore/addestratore, Albert.
Con lo scoppio della Prima Guerra Mondiale Joey si sposterà, diviso da Albert e di peripezia in peripezia, attraverso mezza Europa, incrociando vite e destini di molta gente.

Ispirerà sia la cavalleria inglese che i soldati tedeschi e anche un agricoltore francese e la sua nipotina, prima di arrivare al drammatico ed emozionante finale.

Sembra quasi una storia di altri tempi, un film come non se ne girano da un po’ e per l’occasione Spielberg ha messo insieme un cast straordinario: Emily Watson, David Thewlis, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, Jeremy Irvine, Benedict Cumberbatch e Toby Kebbell. Ora vi lasciamo al trailer, ricordandovi che War Horse uscirà negli USA il 28 dicembre 2011.

Il film appartiene al genere Jidaigeki, ovvero storie di samurai, e Miike per la prima volta, nella sua più che prolifica carriera, ha voluto cimentarsi in una prova di stile, di maniera, senza tralasciare la sua impronta ironica e l’inconfondibile scia di sangue che scorre in tutti i suoi film. Il cinema di questo iperattivo regista giapponese è amato e odiato, comunque seguitissimo da un nutrito stuolo di fan, mai delusi dalle proposte, a volte bizzarre del loro beniamino. Come ad esempio, il recente Sukiyaki Western Django del 2007, che con gli occhi di un cinefilo giapponese, potrebbe riassumersi così: se voi in Italia mangiate spaghetti, noi, in Giappone, mangiamo il sukiyaki (manzo con verdure e tofu). Voi avete avuto Leone e Corbucci, noi abbiamo Miike, che li fa rivivere a suo modo, in un delirio punk di colori accesi nel solito bagno di sangue finale, tra colt e katane.

Ma Miike ogni volta rinasce da se stesso, e 13 Assassini ne è l’ennesima riprova, dopo i cimenti nel genere fantascientifico, nell’horror splatter e, per così dire, nel western. Il film è il remake fedele dell’opera di un regista di nome Eiichi Kudu, girato nel 1963 e, proprio in questa dichiarata fedeltà, c’è anche l’atto di amore, da parte di Miike, verso il genere che ha dato tanto lustro al cinema giapponese grazie a grandi cineasti, tra tutti Akira Kurosawa.

Come ne I 7 Samurai, pochi sono asserragliati in un paesello di campagna contro molti, così 13, tra samurai e ronin, guidati dall’eroico Shimada, tendono un agguato ai 200 di scorta al sadico signorotto Naritsugu, per uccidere quest’ultimo, e salvare il paese dalle terribili atrocità commesse da costui per puro passatempo.

Ma è il culto dell’onore a tessere tutte le trame del film. Quello assoluto nei confronti del proprio signore. Quello cameratesco, tra pari. Infine quello del sublime sacrificio del gesto ultimo e simbolico, rappresentato dall’hara kiri nella tradizione dei samurai, che è pure il soggetto dell’ultimo film di Miike, Ichimei, con le musiche del grande maestro Ryuichi Sakamoto, presentato con successo e qualche critica negativa a Cannes 2011.

Onore, passione, sacrificio estremo, e un pizzico di ironia, questi gli ingredienti che compongono 13 Assassini, che ha il suo culmine in una delle più belle e lunghe sequenze di battaglia di spada girate negli ultimi anni, con una maestria nel montaggio e una perfezione dell’inquadratura raramente viste sugli schermi in tale bellezza.

In fondo c’è anche la morale secondo Miike, che con un mezzo sorriso divertito ci dice: forse forse, è meglio non rinascere samurai, se poi si è solo costretti a morire in gloria. Meglio l’amore di una bella donna, benché anche quest’ultimo porti con sé delle pene…

Dario Arpaio.

Il regista franco-algerino torna al suo tema preferito, quello del drammatico sradicamento di chi è diviso tra due culture, qui raccontato mediante la storia di tre fratelli algerini vissuta lungo l’arco di circa 35 anni, dal ’25 al ’62. Il culmine della vicenda è la cronaca del massacro di Sétif del ’45, quando polizia e soldati francesi aprirono il fuoco su un corteo indipendentista, causando centinaia di morti. Nei giorni che seguirono, le navi da guerra francesi, che sostavano davanti alle coste algerine,  bombardarono intensamente la regione per rappresaglia contro gli eccidi compiuti a loro volta dagli algerini tra i coloni europei. Da quei fatti sanguinosi prese definitivamente le mosse l’FLN, il fronte di liberazione, che nel cuore della Francia compì vari attentati, scatenando la reazione feroce delle forze dell’ordine, prima fra tutte per efferatezze, quella segreta dell’OAS.

Il film di Bouchareb sembra strizzare l’occhio più ai gangster movie alla Scorsese, che non al grande magnifico affresco di Gillo Pontecorvo, La battaglia di Algeri , del 1966, che valse al nostro il Leone d’Oro alla mostra di Venezia e tre nomination all’Oscar. Pontecorvo adottò un bianco e nero sgranato per accentuare il tono drammatico, quasi documentaristico, da cinegiornale. Inoltre utilizzò attori improvvisati (tranne uno). La sua macchina da presa 16 mm graffiava, mentre Bouchareb racconta con un tratto più leggero, quasi da fiction televisiva. Uomini senza Legge cade a tratti nel didascalico, forse è anche un po’ ingenuo nel narrare quei tragici fatti di sangue e l’orrore della guerra di liberazione algerina, che, ancora oggi, trova strascichi nell’opinione pubblica francese.

Grande merito va dato agli interpreti dei tre fratelli, che sanno dare corpo e sostanza all’intimo dramma di una vita spaccata tra il desiderio della normalità e la passione rivoluzionaria, tra la tensione verso la pace e la necessità, quasi ineluttabile, della violenza. Ma quest’ultima non offrirà mai la soluzione: non può esserlo, non sarà mai la risposta definitiva. Non ci sarà scampo, sangue chiama sangue.

Dario Arpaio

Immaginate quindi la soddisfazione per Naomi Watts cui il noto filmaker tedesco ha offerto il ruolo di Gertrude Bell in Queen of the desert, uno dei suoi prossimi progetti.
Si tratta di una parte che, se adeguatamente gestita da entrambi, potrebbe diventare una delle cose più importanti nella già ottima carriera della Watts, uno di quei momenti che verranno ricordati per sempre come, fatti i debiti confronti, la Cleopatra della Taylor o Via col vento per Vivien Leigh.

Queen of the desert affronta la figura, poco conosciuta al pubblico ma molto importante dal punto di vista storico, di Gertrude Bell: archeologa, scrittrice, politica, diplomatica e grande conoscitrice del Medio Oriente, svolse nei primi anni del Novecento una attività fondamentale per strutturare e consolidare quelli che diventarono in seguito i moderni stati di Iraq e Giordania, ricoprendo un ruolo simile a quello del ben più noto Lawrence d’Arabia.

Materiale importante quindi, che trova in Werner Herzog l’artista giusto per evitare certe eccessive spettacolarizzazioni hollywoodiane e in Naomi Watts l’attrice in grado di offrire recitazione intensa accanto a una stupenda presenza scenica.
Resta da vedere se il regista darà la precedenza a questo progetto o all’altro suoi film ambientato in un carcere di massima sicurezza, comunque andrà a finire saremo noi spettatori a goderne!