E invece, proprio come nei film di Billy Wilder, è spuntato fuori un produttore visionario, quasi quanto lo stesso Hazanavicius, ed è stato possibile partire con il primo ciak. Action! Si gira la storia di un superdivo del cinema muto, all’apice del suo successo nel 1927, come specificala didascalia. That’s Hollywood, sfavillio di macchine di lusso, migliaia di fan in delirio per lo pseudo Rodolfo Valentino, almeno nel nome, assai più simile all’acrobatico Douglas Fairbanks nel baffo malandrino. Il caso lo fa incontrare con una giovane intraprendente sognatrice, alla caccia, come tante altre, del successo e della fortuna sotto i riflettori. Lui la protegge, lanciandola nel dorato mondo della celluloide. Lei saprà sfondare ogni porta, superare ogni ostacolo con grande bravura e, soprattutto, si farà trovare pronta al momento dell’avvento del sonoro, proprio quando, invece, il mondo di lui crollerà. Orgogliosamente il divo non vorrà cedere. Lui è The Artist, la sua recitazione è tutta nel viso, nella prorompente mascolinità. Gli è sufficiente se stesso e qualche didascalia per fare sognare il pubblico. Che bisogno c’è di quegli ingombranti microfoni appesi davanti al naso o giù di lì. Via via The Artist precipita nella depressione, fino a che attraverso il bicchiere di whisky può solo intravedere la sagoma di una pistola. E’ la fine. Ma la giovane ragazza divenuta una grande star non lo ha dimenticato. Lo salverà all’ultimo momento. Lo ama e lui tornerà a vivere sul palco con lei. Le note finali di un travolgente tip-tap, che vale da solo tutto il film, ci riportano il frac di Fred Astaire. Ed è questa solo una delle tante tante compiaciute citazioni, preziosamente collezionate da Michel Hazanavicius nel suo piccolo capolavoro, omaggio al cinema che fu. Molto della buona riuscita del film è dovuto alla bravura dei due protagonisti, uno straordinario Jean Dujardin e una frizzante Bérénice Bejo. Ma il vero trionfatore è il cinema muto, pensato dal regista così come era, girato nel formato quadrato originale, nei veri studios di Chaplin, nella casa che fu di Mary Pickford. Tutto intero un mondo di sogno sfila nelle varie inquadrature. E’ come se dietro la macchina da presa si fossero alternati Ernst Lubitsch o King Vidor nel proporre anche il loro punto di vista al giovane regista francese. E lui è andato avanti, senza fermarsi, caparbio e geniale, anche senza i mille mirabolanti artifici del 3D. Silenzio! Ciak! Si gira! Il sogno continua.

Dario Arpaio

Midnight in Paris ha il sapore forte del ritorno di Woody Allen al meglio del suo percorso artistico. Oggi settantacinquenne è, forse, più incline alla tenerezza, senza peraltro perdere quel suo inimitabile raffinato gusto per il graffio ironico nella rappresentazione della commedia umana. Il film inizia con una carrellata di magiche cartoline raffiguranti gli scorci parigini più amati, che si offrono come una tavolozza dalla quale trarre gli ingredienti per un’alchimia che vedrà il protagonista caracollarsi negli anni ’20, suo vero luogo dell’anima. Owen Wilson entra magnificamente nei panni di Gil, autentico alter ego di Allen. Il suo personaggio, da sceneggiatore di film leggeri, banalotti eppure di successo, sogna di ultimare il suo primo grande romanzo e vede in Parigi il luogo ideale per dare corpo alla sua scrittura. Gil è in viaggio di piacere con la fidanzata e i futuri ricchi suoceri, i quali non vedono di buon occhio le stravaganze artistiche del futuro genero, né amano in particolar modo quella città dove, secondo loro, piove sempre e, oltre tutto, ci vivono i francesi. Se non altro Parigi, per quei ricchi americani, è un posto buono per lo shopping e per qualche degustazione di vino eccellente, anche se non quanto quelli californiani. Neanche a dirlo, Gil si scontra spesso con il suocero, dando vita agli esilaranti battibecchi che Allen compone e dirige come una delle sue migliori partiture.

Il protagonista del suo film vive intensamente Parigi, come in un incanto, fino a che non spuntano alcuni vecchi amici della fidanzata, snob pedanti, che il divertito Allen raffigura come tipici rappresentanti di quella America presuntuosa sempre dedita solo alla caccia del successo in tutti i campi, a ogni costo.

Gil invece è un inguaribile sognatore, lui ama quella città che lo ricambia con la più incredibile delle magie, catapultandolo nella Parigi degli anni ’20 a conoscere gli Scott Fitzgerald e le loro spumeggianti feste dove si può incontrare Hemingway. Sarà proprio lui che accompagnerà uno stralunato Gil niente meno che nel salotto di Gertrude Stein, trovandola intenta magari a discutere con Picasso. E via così, notte dopo notte, sfileranno tutti i più grandi artisti del tempo, sulle note delle suadenti melodie di Cole Porter in quella che fu la Parigi più amata. Gil incontrerà anche un giovane stordito Bunuel, al quale accennerà l’idea per quello che poi sarà il tema del film l’Angelo Sterminatore. Si troverà poi davanti a un folle esaltatissimo Dalì, a Matisse e così via, tra improbabili rinoceronti infoiati e coppe di champagne.

Le notti di Gil scivoleranno via così, una dopo l’altra, sotto il segno di una continua migrazione tra una dimensione frizzante e un mogio sempre più incredulo ritorno all’alba, nell’opprimente realtà quotidiana.

Ma un quanto mai grandissimo Allen non indugia nel sentimentalismo. Concluderà, affermando con un sorriso, che, forse, non è una buona prospettiva il rimpianto. Non è il caso di rincorrere nostalgicamente un tempo andato che ci sembra possa essere migliore del nostro presente, perché, in fondo, proprio l’amore è già lì, vicino a noi, a portata di mano e, magari, lo si può incontrare proprio a mezzanotte, a Parigi, passeggiando sul Pont Neuf, incuranti della pioggia.

Superfluo sottolineare la bravura di un cast davvero eccezionale che vede, tra gli altri, Kathy Bates, Rachel McAdams, Adrien Brody, Michael Sheen e un’incantevole Marion Cotillard, nonché un’improbabile Carla Bruni.

Dario Arpaio.

La trama di Miracolo a Le Havre, almeno per qualche aspetto, propone un ammonimento, uno sdegno simili a quelli espressi a gran voce dal maestro Ermanno Olmi con il suo ultimo film, Il villaggio di cartone. E’ come se Kaurismaki e Olmi, così apparentemente lontani l’uno dall’altro, fossero giunti, nello stesso tempo, alle stesse conclusioni sulla verità? In entrambi i film un uomo si rivolta contro il potere costituito per difendere gli ultimi, quei migranti che vengono dal mare con il volto nero clandestino e che fanno tanta paura alla gente perbene. Anche i poliziotti vestono sempre di nero, ma loro salvaguardano il quieto vivere della buona gente. A volte però eccedono in zelo. Tutti e due i film ci propongono delle figure che agiscono d’impulso in nome della vita, al di sopra e al di fuori di ogni legge, solo in nome della vita umana. Più incline alla tenerezza è il film di Kaurismaki, con tanto di happy end, ma senza scadere nel sentimentalismo. Il vero miracolo a Le Havre è quello che risveglia l’attenzione sulla dignità umana al di sopra di ogni sporco al quale il nostro quotidiano sembra assuefarsi.

Tutto di questo film di Aki Kaurismaki incanta, dai dialoghi, apparentemente leggeri, alla fotografia, alle scenografie, tutto. E’ come se un candido malinconico Keaton finalmente potesse parlare attraverso questo finlandese con la sigaretta elettronica in bocca.

Dario Arpaio

Su questa pagina il trailer della commedia.

Scialla, romanesca versione del ‘take it easy’ americano, o del più noto ‘tranqui’, si intrufola così collocandosi in uno spazio tutto suo nella italica commedia, troppo spesso abbandonata a sé tra un volgare cinepanettone e l’altro. Insomma si pone al di sopra della mediocrità e raccoglie applausi e risate, indicando forse anche una via nuova, originale, leggera. Ci vogliono idee e chi meglio di uno sceneggiatore è in grado di portare una ventata di freschezza. Sì perché Scialla è film più che pregevole. E’ ben riuscito in ogni dettaglio, grazie anche al forte contributo del sempre bravo Fabrizio Bentivoglio nel ruolo di Bruno, un ex professore imbolsito e soprattutto del giovane Filippo Scicchitano, eccellente, strabordante nel ruolo dello spudorato sedicenne Luca.

Bruno vive da tempo in un aristocratico malinconico ritiro, come un ‘gatto sul termosifone’. Così viene definito il suo distaccato disinteresse nei confronti della realtà vera, fino a che non scopre di essere padre e, neanche a farlo apposta, proprio di uno di quei ragazzi menefreghisti e fancazzisti, emblemi di questa nostra società incapace di trasmettere valori ai giovani, e tanto meno fiducia nel futuro. Le giovani generazioni fortunatamente, alla fine sanno sempre risultare più coriacee e forti di quanto si possa ritenere all’apparenza. Sanno sempre trovare la strada e magari indicarla con forza a chi l’ha smarrita. Scialla ci parla dei rapporti generazionali tra padri e figli e lo fa con garbo, senza pretese intellettualoidi, semplicemente racconta come ogni dire, ogni fare sia difficile, pieno di spigoli aguzzi. Il film mette in scena il nostro tempo senza mai porsi in una presuntuosa ottica autorale critica. Anzi risulta spensierato, divertente e irriverente, strizzando l’occhio al pubblico, o almeno a chi vuole intendere.

Dario Arpaio

Una storia semplice, ma molto ben costruita intorno a un’attrazione che diventa il grande amore della vita, con un sapore un po’ mélo, alla Lelouch e con lacrimuccia finale. Ma in fondo che c’è di male a raccontare l’innamoramento se poi si riesce a dargli anche un bel respiro narrativo come è nel film One Day di Lone Scherfig, regista di origine danese, trasferitasi poi in Inghilterra. La scelta dei due interpreti è congeniale. Anne Hathaway e Jim Sturgess sono belli, dolci e amari, perfetti per portare sullo schermo la storia di Emma e Dexter tratta dal romanzo di David Nicholls che ne ha pure curato la sceneggiatura in prima persona. Quindi? Per chi vuole emozionarsi, immedesimarsi e, perché no, ripescare anche qualche ricordo smarrito, One Day è il film ideale per lasciarsi andare, senza rimpianti, per ritornare per un momento agli amanti che si baciano in un portone, quelli delle poesie di Prévert.

Dario Arpaio

Dopo i già confermati Colin Farrell, Sam Rockwell e Christopher Walken ecco spuntare i nomi di Woody Harrelson, Olga Kurylenko e Tom Waits, con Harrelson che coprirà il ruolo lasciato vacante da Rourke e, a dir la verità, forse Harrelson è anche più in gamba a interpretare gente lunatica e fuori di testa.

Seven Psychopaths segue le vicissitudini di Marty (Colin Farrell), uno scrittore che non riesce a finire la sua sceneggiatura e avrebbe bisogno di tempo e cooncentrazione. Ad aiutarlo ci pensa il suo amico, Billy (Sam Rockwell), attore disoccupato che si barcamena rubando cani con l’appoggio di Hans (Christopher Walken).
I due progettano il furto del cane di Charlie (Woody Harrelson?), un gangster psicopatico disposto a uccidere chiunque si frapponga fra lui e le sue amate bestiole.

Aspettiamoci quindi una commedia nera da chi già con In Bruges ha dimostrato ottime potenzialità, il tutto arricchito da un cast che sembra perfetto in ogni ruolo da Walken sempre pronto a brillare nelle parti con qualche sfumatura religiosa e Rockwell che sfoggia sempre più una grande versatilità.

Dopo la mezza delusione di Elizabethtown ecco che Crowe, da sempre abituato a tempi rilassati e a far passare parecchi anni di regia in regia, ci propone questo suo We Bought a Zoo e a guardare il trailer si notano sia l’incredibile cast che, appunto, il suo tocco leggero e propositivo.

La storia narra di un papà single con due figli a carico che a un certo punto della sua vita pensa sia giunto il momento di cambiare: molla il lavoro e si trasferisce in uno zoo in rovina.
Seguiranno i soliti incontri con gente parecchio strampalata, un possibile amore e la grande voglia di far tornare lo zoo alla sua vecchia gloria.

Matt Damon è il protagonista di questo film che a giudicare dalle scene presenti nel trailer propone il consueto mix di crescita del padre insieme ai figli, superandone le iniziali diffidenze e di incrollabile testardaggine nel voler credere nel sogno. Si aggiungono ovviamente alcuni intermezzi comici, una spruzzata di love story e la torta è pronta, sperando appunto non sia venuta troppo dolce.

Ottimi anche i comprimari con nomi quali Scarlett Johansson, Thomas Haden Church, Elle Fanning e Patrick Fugit. Vi lasciamo al trailer in lingua originale!

Oggi, nel 2011, arriva nelle sale la trasposizione cinematografica di quel magnifico romanzetto per la regia di Massimo Martelli, e va subito detto che portare la parola scritta di Benni dalla pagina allo schermo, traducendola in immagini più o meno consone, era impresa più che ardua. Così è stato per questo film. Bar Sport esce con poco ritmo e un timbro lontano da quello del libro al quale si è ispirato. Le sequenze, che avrebbero dovuto ricreare l’atmosfera surreale del Bar Sport, non decollano quasi mai e, quando ci riescono, il risultato ha un che di stantio. Poche e vaghe sono le risate del pubblico di fronte al susseguirsi di macchiette che sembrano un frullato del peggio di Zelig con un Bisio ormai onnipresente. Il cast sulla carta può sembrare eccellente, perfetto, confacente: Giuseppe Battiston, Antonio Catania, Angela Finocchiaro, Lunetta Savino, ma sembrano tutti imbalsamati, e che dire di Teo Teocoli sempre più vittima di stesso, e Vito poi…

Questo Bar Sport non ‘prende’ mai, eccezion fatta per le riuscite incursioni nell’animazione, purtroppo sparse qua e là senza un vero fil rouge che possa legarle alla storia.

Bar Sport potrebbe essere davvero una buona occasione per dimenticare il film per andare a rileggersi il libro e rivivere, magari con un pizzico di malinconia, o di curiosità, gli anni in cui non si poteva mancare la lettura del nuovo numero di Linus, o delle altre tante riviste satiriche e di fumetti che hanno esordito in quegli anni ’70, quando ancora giungeva l’eco e il senso dello slogan che chiedeva ‘l’immagination au pouvoir’.

Dario Arpaio

Ora però, a giudicare da alcuni trailer usciti di recente e dai pareri che vengono scambiati online, sembra che l’imminente Tower Heist, che in Italia uscirà con il sottotitolo Colpo ad alto livello, possa ridare spinta al comico statunitense, anche grazie a una sceneggiatura brillante e un cast di altissimo livello.

Tower Heist è una commedia che parte da uno spunto intrigante: uno squalo di Wall Street è agli arresti domiciliari nel suo loft in un prestigioso grattacielo di New York. Ha rubato svariati milioni con spregiudicate operazioni di Borsa e fra le sue vittime ci sono anche i dipendenti del grattacielo che avevano versato i loro soldi in un fondo pensione gestito proprio dal magnate.

E proprio alcuni dipendenti, guidati dal manager del grattacielo, decidono di riprendersi il maltolto con gli interessi, escogitando un astruso piano per derubare il riccone…

Come detto e come potete vedere dal trailer che riportiamo qui sotto, Tower Heist può contare su un cast impressionante: Ben Stiller, Eddie Murphy, Matthew Broderick, Téa Leoni, Gabourey Sidibe, Casey Affleck, Stephen Henderson, Judd Hirsch, Michael Peña e Alan Alda, il tutto per la regia di Brett Ratner.

Uscita in Italia il 25 novembre.